La escultura tiene forma de letrero luminoso espejado, construido en acero inoxidable y luces de leds rojas.

El artista, partiendo de las formas del habla de los latinoamericanos, toma una de sus frases más cotidianas Te quiero mucho como un modo de comunicación y de cuidado, de amor y consideración entre los suyos. El juego de espejos obliga al espectador a reflexionar sobre algo más, al verse reflejado en la obra y confrontado: ¿nos amamos también a nosotros mismos? Hay una alerta de semáforo rojo, cuando la escultura se vuelve nuestro propio autorretrato.

ARTISTA

Moviéndose libremente dentro de su práctica multidisciplinaria, sus obras híbridas (pintura, escultura, video, fotografía, performance) exploran las culturas del mundo y la condición humana a través de fenómenos naturales, monumentos históricos y la forma en que las personas se comunican. Creando luz, sombra, translucidez, que resuenan en un momento poético, las superficies espejadas del arte en capas de Terrence, colocan al espectador dentro de la obra.Terrence nos ofrece un puente hacia el lenguaje para fusionar el pasado con el presente, recreando el mundo natural con lo creado por el hombre para iluminar temas universales a través de un manifiesto que él llama cULTUREgLU.

Ha expuesto internacionalmente en museos, galerías, espacios culturales incluyendo selecciones en París, Berlín, Barcelona, Ciudad de México, Toronto y Los Ángeles. El artista canadiense, obtuvo su licenciatura en artes en la Universidad de Western Ontario en Londres. Su arte se encuentra en colecciones en México, Estados Unidos, Europa y Canadá.

La escultura, montada a modo de estela, está construida a base de llantas sobrepuestas, con un trabajo de tallado y calado artesanal con motivos mexicanos, que permite que la luz atraviese el alma viva del objeto. Como una oda a los caminos recorridos y por recorrer, la artista escribe:

Trayectos tatuados
geometrías indígenas
De rebozos y sarapes
Vehículos del cuerpo,
Atravesando desiertos y difíciles senderos .

El otro lado de la velocidad se hizo con las manos
Urdiendo lentamente
Desde ese pueblo
Donde nunca se ha dejado de tejer
La trama del interior del círculo
Y Los adentros del vehículo.

el alma del que sabe correr
Y atravesar fronteras
Bebe del color que late dentro
Del calor que anima cada rueda
Y vibra al son de la velocidad y su deseo

Desde las manos que han sabido dar la forma
Y ayudar a ese piloto de ojos de guerrero alado,
de mirada de águila,
Y sabiduría ancestral,
A Generar su vuelo
Con alas de caucho
Y luz tejida por su cultura inmemorial

Betsabeé Romero
2017

ARTISTA

La artista internacional mexicana Betsabeé Romero, recientemente galardonada con la condecoración del título de Chevalier des Arts et des Lettres del gobierno francés, ha realizado más de 100 exposiciones individuales en los 5 continentes, entre las que destacan las del British Museum, el Grand Palais, la York Avenue en Washington, la Vieille Bourse en Lille, la Place du Louvre en Paris, la Ofrenda monumental del Zócalo de la Ciudad de México, la Intervención en fachada e interior del edificio de México en la Expo Dubai 2020, el Nevada Museum of Art, el Neuberger Museum, el Nelson & Atkins Museum of art, el Museo Anahuacalli, el Antiguo Colegio de San Ildefonso, el Museo Amparo en Puebla, el MARCO en Monterrey, el Canberra University Museum, el Museo Carrillo Gil y La Recoleta en Buenos Aires.

Su obra forma parte de importantes colecciones como la de British Museum, el Museo de Arte Contemopráneo de Houston, el Museo de Phoenix, el Museo de Beaux Arts de Montreal, la Daros Collection Suiza, el Nelson & Atkins Museum, el Nevada Museum of Art, el Banco Mundial Collection, el LACMA California, FEMSA, el Irish Museum of Modern Art, el Museo del Barrio, el Museo de Arte Moderno de México, el MUAC y la Michigan State Univesity.

Se trata de una serie de fotografías expuestas en cajas de luz, bajo el tema de Les Fleurs de l’Enfer, según la colección de poemas de Charles Baudelaire.

La inspiración en Baudelaire no sólo tiene que ver con el concepto de spleen como un estado de melancolía en el que estamos sumergidos, sino con el mal social que subyace a dicho afecto, la ley judeocristiana como imposición moral y forma de adiestramiento. Además, la obra cuestiona el academicismo de lo bello, el conservadurismo estético que esconde la rigidez de la moral social de Occidente.

ARTISTA

Irène Khiêt es artista visual francesa de ascendencia vietnamita se estableció en la Ciudad de México en 2010, donde empezó a exponer su trabajo, que incluye fotografía, pintura, dibujo, y artes mediales. Entre sus exposiciones, destaca su exposición individual en el Palacio de la Autonomía en la Ciudad de México, en el marco del primer Festival Internacional de las Luces FILUX México (2013). Expuso también en el Museo San Ildefonso, como finalista de la XII Bienal FEMSA-Monterrey de arte contemporáneo.

Las fotografías en cajas de luz fueron creadas para una exposición cuyo tema era Blanco Sobre Blanco. El blanco evoca un juego doble: el juego por el cual la sociedad y ciertas instituciones tratan de llevarnos a un tipo de torpor donde el blanco representaría la pureza y la perfección encarnadas. Pero también el blanco que oculta y es cómplice de la inmoralidad, de la indecencia, como lo demostrarían ciertas expresiones anglosajonas como white lie (que significa mentira piadosa), white hot (que significa pasión intensa o vehemente), o white wash (que significa ocultación de vicios, crímenes o escándalos).

ARTISTAS

El artista francés Pierre-Claude Blaise, desde hace algunos años, se dedica a apoyar el comercio electrónico en México, desarrollando al mismo tiempo su práctica de DJ y de fotografía. Colabora con su mujer Irene, mezclando fotografía y dibujo digital.

La video-instalación trata de la aparición de una entidad autónoma indiferenciable, fuera de toda clasificación o nombramiento, que emerge a través de la luz y el color, disolviendo las fronteras de la materialidad y en la búsqueda de cualidades etéreas para hacerse visible.

Es una deconstrucción de la identidad, en la disolución de sus particularidades aparentes, en la tangibilidad perceptiva del espacio-tiempo.

ARTISTA

Artista japonés que reside en la Ciudad de México.

Ha trabajado en el mundo del cine por más de 15 años, originando nuevas experiencias sensoriales, siendo sus herramientas de creación, el arroz, la resina y el videoarte. Retoma el concepto del tecnoanimismo, en el cual los humanos, animales, naturaleza y seres artificiales, poseen espíritu y donde cada una de estas entidades tienen potencialidades ilimitadas. Yupica también ha intervenido diversos espacios arquitectónicos, plataformas culinarias y de diseño, como, Millesime, Design House, Galería Hilario Galguera, y Casa Estudio Luis Barragán, además ha participado en el Festival Internacional de las Luces, Ciudad de México, Mérida y Villahermosa.

La proyección consiste en una animación en 3D, basada en el sentimiento de alienación en la psiquiatría moderna como un estado mental que se caracteriza por la pérdida de la propia identidad, o la sustitución de la realidad por un delirio, o por la realidad vivida por el discurso del otro.

La alienación es un concepto que sólo es pensable desde un observador externo, en tanto que el sujeto alienado desconoce totalmente lo que le sucede.

ARTISTA

Josue Abraham Palma es un artista dedicado a explorar discursos visuales mediante la luz, el sonido y los objetos. Explora temas como el movimiento del cuerpo, la naturaleza y su entorno y las problemáticas sociales, mediante diferentes plataformas y técnicas multimedia, como el vjing, el videomapping, la animación, el video, la realidad aumentada, el documental y el arte interactivo.

La instalación se compone de muchas superficies planas espejadas por ambos lados que forman polígonos. Cada una de estas superficies es cortada, limada y biselada a mano, con el meticuloso cuidado de un experto artesano. El artista logra luego embonar perfectamente las facetas individuales entre sí, dejando vacíos ocasionales sobre las superficies de la pieza, para crear una apariencia de gemas que refleja la luz y los colores del interior de la pieza en dirección al ambiente que la envuelve. La luz produce un efecto kaleidoscópico en el interior, a la vez que ilumina el espacio exterior de reflejos.

La alienación es un concepto que sólo es pensable desde un observador externo, en tanto que el sujeto alienado desconoce totalmente lo que le sucede.

ARTISTA

Orfeo Quagliata es diseñador industrial y fundador del Studio Orfeo Quagliata. Bajo la influencia de su padre, el artista Narciso Quagliata, una figura destacada del American Studio Glass Movement, con quien ha colaborado en varios proyectos, incluyendo el diseño y la fabricación de la cúpula de cristal que se encuentra en el ápice de la última obra arquitectónica de Miguel Ángel Buonarroti, la Basílica de Santa María degli Angeli e dei Martiri en Roma, ha desarrollado un profundo conocimiento sobre técnicas como las del vidrio hervido, soplado y triturado bajo diferentes procesos de fundición que le permite realizar los más sofisticados diseños que van de la transparencia a la opacidad, con ondulaciones de color y tonalidades que contrastan a través de la luz.

El artista, bajo una escultura-espejo circular, realizada con una técnica de acrílico, crea una exploración emocional proyectiva de un paisaje en capas que atraviesa la naturaleza (el juego mágico de la luz en el agua de los cenotes) con un mensaje de grietas en torno de la amenaza de la sostenibilidad de la Tierra y de la corrupción global, recordándonos la letra de la canción de Leonard Cohen, There is a crack in everything. That's how the light gets in.

ARTISTA

Moviéndose libremente dentro de su práctica multidisciplinaria, sus obras híbridas (pintura, escultura, video, fotografía, performance) exploran las culturas del mundo y la condición humana a través de fenómenos naturales, monumentos históricos y la forma en que las personas se comunican. Creando luz, sombra, translucidez, que resuenan en un momento poético, las superficies espejadas del arte en capas de Terrence, colocan al espectador dentro de la obra.Terrence nos ofrece un puente hacia el lenguaje para fusionar el pasado con el presente, recreando el mundo natural con lo creado por el hombre para iluminar temas universales a través de un manifiesto que él llama cULTUREgLU.

Ha expuesto internacionalmente en museos, galerías, espacios culturales incluyendo selecciones en París, Berlín, Barcelona, ​​Ciudad de México, Toronto y Los Ángeles. El artista canadiense, obtuvo su licenciatura en artes en la Universidad de Western Ontario en Londres. Su arte se encuentra en colecciones en México, Estados Unidos, Europa y Canadá.

Obra sonora basada en el género cinematográfico de Ciencia Ficción.

El compositor ha tomado inspiración al mirar detenidamente cada pieza que conforma Kriptón; reuniendo elementos físicos e imaginarios como el cristal, los reflejos, la fragilidad, los seres andróginos, lo etéreo, los espacios sin tiempo, mirar a través de un cristal, luz azul, blanca, verdosa.

El diseño sonoro también concentra algunos estados sensoriales que el autor ha experimentado en su cuerpo y mente: el recuerdo, la soledad, la templanza, la esperanza, el sueño lúcido, la memoria, texturas sobre la piel, vibrar, latir, olvidar, desaparecer, sentir frío.

ARTISTA

Compositor y artista multimedia de origen yucateco. Su trabajo está basado en vincular el arte y la tecnología, utilizando herramientas como Arduino, Max msp, Max 4 Live, TouchDesigner y VCV Rack; desarrollando piezas en el campo del arte sonoro, la música electrónica y la electroacústica, la instalación sonora, la multimedia interactiva y el videoarte.